FRANCIS BACON - PRÉSENCE HUMAINE

C'est toujours un privilège de collaborer avec la Fondation Pierre Gianadda (Suisse) et Le Nouvelliste.

J'ai eu l'honneur de rédiger l'article dédié à l'exposition Francis Bacon - Présence humaine (pp. 4-13), un événement exceptionnel en partenariat avec la prestigieuse National Portrait Gallery de Londres.

Ce magazine est tiré à 64'150 exemplaires.

Du 14 février au 08 juin 2025, plongez dans l'univers fascinant de Francis Bacon à la Fondation Pierre Gianadda (Suisse).

L'exposition vous invite à explorer l'intensité de la présence humaine à travers des œuvres inoubliables.

À découvrir tous les jours de 10h00 à 18h00.

Si vous souhaitez découvrir les divers articles, vous pouvez les télécharger ici, en cliquant sur ce lien.

Voir aussi sur le site de Fondation Pierre Gianadda (Suisse) en cliquant ici.

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Francis Bacon, Triptyque mai–juin, 1973. Huile sur toile, 198 × 147,5 cm. Esther Grether Family Collection. © The Estate of Francis Bacon. All rights reserved/2025, ProLitteris, Zürich.

ÊTRE - JULIE LANGENEGGER

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“Et je vous le dis depuis ma position d’homme trans, de corps non-binaire qui a dû se transformer pour pouvoir sortir de son ancienne « cage » et survivre en inventant, jour après jour et de façon précaire, d’autres pratiques de liberté.”

— Paul B. Preciado, "Je suis un monstre qui vous parle. Rapport pour une académie de psychanalystes", Paris, Éd. Grasset, 2020, p. 126.

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Au plaisir de vous retrouver à l'occasion du vernissage de l'exposition Être de Julie Langenegger, en présence de la photographe, le samedi 05 novembre à 18h, dans le cadre de la Nuit des musées du Valais, à La Grenette, Galerie de la Ville de Sion : Rue du Grand-Pont 24, 1950 Sion (CH)

Exposition : du 05 novembre au 18 décembre 2022

« En présentant la série photographique de Julie Langenegger relatant l’expérience de membres de la communauté queer et non-binaire, l’exposition Être offre l’occasion de revenir sur cette évolution sociétale majeure.

Au fil de la galerie, nous découvrons des portraits saisissants de personnes âgées de 21 à 73 ans que la photographe a rencontrées durant les trois années précédentes, temps nécessaire pour mener à bien ce projet de longue haleine. Il existe en effet peu de visibilité pour les personnes de la communauté queer.

Aussi, tout au long de ce travail, Julie Langenegger a appris à connaître ses modèles, tous.x.tes porteuses et porteurs d’histoires bouleversantes.

Lors des prises de vue qu’elle a réalisées dans le plus grand respect et avec bienveillance, elle est parvenue à aller plus loin dans le partage d’expériences rarement mises à l’honneur auprès du grand public. »

Julia Hountou, Docteure en histoire de l’art et curatrice de l’exposition

Lecture à l’occasion du vernissage, à partir de 19h :

Prenant part à cette exposition, l’écrivaine, poète et actrice queer Gabrielle Boulianne-Tremblay fera une lecture.

Son premier recueil de poésie Les secrets de l’Origami (2018) est devenu un succès instantané dans la communauté poétique québécoise. Le Prix des Libraires du Québec 2022 a été décerné à son premier roman La fille d’elle-même (2021).

Portrait (flyer) : Aizysse Baga

Conception graphique des supports de communication : Sarah Muehlheim

Julie Langenegger : site

Julie Langenegger : série Être

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CHRISTINE AYMON - L'OEIL SUR LE SEUIL

Voici un aperçu de la monographie de Christine Aymon, L'oeil sur le seuil (Editions Monographic Sierre, CH, 2021, 252 pages) dont j'ai eu le plaisir d'écrire trois textes :
. « Christine Aymon ou le voyage au fil des visages » (pp. 38-49)
. « Les Cabanes magiques de Christine Aymon » (pp. 76-80)
. « Un refuge onirique ou la Cabane sur un arbre perchée » (pp. 84-88)

Christine Aymon

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Julia Hountou, « Christine Aymon ou le voyage au fil des visages », Christine Aymon - L'oeil sur le seuil, Editions Monographic Sierre, CH, 2021, 252 pages, pp. 38-49.

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Julia Hountou, « Les Cabanes magiques de Christine Aymon », Christine Aymon - L'oeil sur le seuil, Editions Monographic Sierre, CH, 2021, 252 pages, pp. 76-80.

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Julia Hountou, « Un refuge onirique ou la Cabane sur un arbre perchée », Christine Aymon - L'oeil sur le seuil, Editions Monographic Sierre, CH, 2021, 252 pages, pp. 84-88.

BRIGITTE LUSTENBERGER - WHAT IS LOVE ?

Brigitte Lustenberger, Flowers I, Chromogenic print

WHAT IS LOVE? 

UNE EXPOSITION EN PLEIN AIR AU FIL DE 40 CLICHÉS DE BRIGITTE LUSTENBERGER
PARC DE LA TORMA, ROUTE DE MORGINS, 1870 MONTHEY – SUISSE 2020-2022
OUVERTE TOUTE L’ANNÉE

CURATRICE : JULIA HOUNTOU
Exposition organisée par le Service Culture, Tourisme et Jumelage ainsi que le Service Infrastructures, Mobilité & Environnement de la Ville de Monthey (Suisse) 

Brigitte Lustenberger. Le goût des autres ou Elégie en clair-obscur 

Extrait du texte de Julia Hountou[1] curatrice de l’exposition

Interroger la photographie dans son pouvoir de représentation revient à formuler la question du jeu entre réalité et fiction. Ainsi, sans avoir recours aux artifices de l’insolite, à l’attirail du bizarre et de l’étrange, mais en usant au contraire de composants du quotidien, Brigitte Lustenberger bâtit une « intrigue » visuelle dont les héros sont interprétés par de faux acteurs, ses modèles auxquels elle attribue des rôles. Ses photographies se présentent en effet comme des mises en scène puisque leurs protagonistes sont appréhendés tels des personnages, selon une approche théâtrale. Elle les dirige avec soin à la manière d’un réalisateur de cinéma, en travaillant avec eux sur leurs gestes et leurs expressions faciales[2]. (…)

L’écoute de l’altérité

Dans l’univers de Brigitte Lustenberger, tout est recherche du dépouillement pour mieux se focaliser sur les visages. La singularité et la diversité de ces derniers est à proprement parler un « miracle »[3]. Pour les magnifier, depuis 2008, elle a élaboré un ensemble cohérent de portraits représentant ses modèles, généralement en buste et seuls, ou en couple lorsqu’ils créent un duo sous forme de diptyque. Elle tente ainsi de saisir l’esprit même d’une rencontre – cette confrontation avec un « autre » et son expérience unique du monde – afin d’en partager l’éternité. Elle sait combien ce genre photographique est par essence un mélange de connivence et de cruauté, destiné à obtenir en un temps succinct l’expression la plus juste et la plus sincère de la vérité du modèle. À la croisée de la matière et de l’esprit, du corps et de l’âme, du visible et de l’invisible, la face exprime les sentiments cachés, les humeurs et les affects. La multitude des expressions échappe à la répétition. Physiologiste de la psyché, la photographe traque et sonde la personnalité d’hommes et de femmes dans leurs attitudes et les inflexions de leur regard, afin de restituer l’irréductible singularité de leur présence. 

Mutiques, ils apparaissent dans la pleine intensité de leur être, tous saisis à la lumière naturelle dont Brigitte Lustenberger utilise l’action modelante à la façon d’un sculpteur maniant la glaise, puis qu’elle transcende plastiquement par la perfection des tirages[4]. Ces portraits sont d’autant plus forts qu’ils sont dépourvus de tout attribut et de toute connotation anecdotique. Parce qu’ils ont évacué l’obsession du paraître, ses modèles offrent d’eux une profonde épaisseur, une manière d’être-là, tel le Dasein cher à Martin Heidegger[5]. La plupart témoignent d’une grande qualité d’abandon qui concourt à muer leur visage en lieu d’apparition de l’intériorité ; ils portent en eux une expression grave, existentielle. Même les enfants affichent des linéaments d’une troublante maturité. On ne peut s’empêcher d’être à la fois émerveillé et surpris devant leurs visages à la beauté dérangeante, mêlant insouciance et réflexion. 

Captivée par l’absolue splendeur du noir, la photographe dissimule le décor dans l’obscurité totale. Le huis clos du studio apparaît tel un espace vide qui contraint ses modèles à se situer par rapport à eux-mêmes. (…) En annihilant le contexte, Brigitte Lustenberger enquête sur le motif du visage, sur la pure manifestation des émotions. L’arrière-plan sombre tire les portraits vers une abstraction qui absorbe les formes et accentue le sentiment d’introspection. Ainsi fixés par l’objectif, les personnages semblent à la fois proches et lointains, familiers et étrangers. La façon dont ils se détachent sur le noir les auréole tout en les mettant hors d’atteinte. (…)

Brigitte Lustenberger, Flowers XXIX

L’esthétique de la déliquescence

Brigitte Lustenberger organise son atelier tel un cabinet de curiosités, un lieu où elle entrepose et expose ses découvertes. Son intérêt et son goût la conduisent à garder un ensemble d’éléments hétéroclites : des végétaux, des animaux naturalisés, mais aussi des vases et de la porcelaine. Il ne s’agit cependant pas d’un trésor précieusement conservé : bien au contraire, l’artiste se plaît à observer les outrages du temps sur sa collection. Au fil des semaines, les objets se dessèchent, moisissent, se décomposent et se métamorphosent, laissant place à une forme d’expérience du monde qu’elle intègre telle quelle dans sa pratique artistique. Cette approche aboutit à une série de natures mortes : des tulipes mélancoliquement avachies sur une vieille table en bois ou encore une pomme toute ridée. (…)

Dispersées dans l’espace tels des souvenirs égrenés, ces trouvailles recèlent une intense charge poétique et tragique. (…) Au-delà de simples natures mortes, elle en réalise le « portrait », en exaltant leur spécificité et leur puissance occulte. Mises en valeur, elles sortent de l’ombre et s’exhibent pour elles-mêmes, uniques et autonomes. Perméable à leur solitude, délaissées et comme teintées de deuil, elle se plaît aussi à magnifier les déliés des bouquets juste fanés ou littéralement secs d’où surgit un arcane hautement métaphorique. (…)

Ainsi, à travers ses images, Brigitte Lustenberger pose visuellement la question de savoir ce qui dans l’intensité d’un instant retient d’un même souffle la vie et la mort. Elle n’hésite pas à juxtaposer au sein de son dispositif ces deux processus, ces deux espaces-temps opposés : décomposition (fleurs fanées, feuillage desséché) et renaissance, évoquée notamment dans le portrait d’une femme enceinte ou l’image paisible d’un nouveau-né. (…)

Dans ses photographies, nombre de frontières sont questionnées : vie et mort, matière et esprit, cadre et hors-champ, sujet et objet, signe et substitut, réalité et fiction. 

Sans accessoire ni décor, sans apprêt ni événement, ses images détiennent un fort pouvoir d’évocation ; leur contemplation nous amène à nous interroger fondamentalement sur les âges de la vie, la solitude, le couple, l’existence… (…) Offrant une approche en même temps universelle et individuelle, le regard qu’elle porte sur notre environnement secret nous livre une belle manière de plonger en nous-mêmes, en essayant de percer à jour l’intériorité des autres. (…)

Brigitte Lustenberger nous confronte à l’inquiétante étrangeté du rapport au corps et à la destinée. Aussi, pour lutter contre la fuite inexorable du temps, elle se met en quête de la singularité des êtres, rejoignant en cela Bruno Bettelheim pour qui « Il n’y a qu’une façon de moins souffrir de la brièveté de la vie : en établissant un lien vraiment satisfaisant avec l’autre. Quand on a réussi cela, (…) on a atteint le point culminant de la sécurité affective de l’existence et on dispose de la relation la plus permanente dont puisse disposer l’homme. »[6] Grâce à son art, la photographe imagine des espaces-temps réunificateurs, selon un acte de « résistance »[7] esthétique. Ses images sans cesse recomposées visent à réinventer toujours de nouveaux liens, à conjuguer les échanges dans leur diversité afin de conférer à l’existence une plus grande amplitude et ainsi la transcender. 

JULIA HOUNTOU
Docteure en histoire de l’art et curatrice

[1] Cet extrait de texte de Julia Hountou est issu du livre Brigitte Lustenberger, Still, éd. NEAR, Lausanne & Till Schaap Edition, Bern, juin 2014, 22×17 cm, 80 p. Fr/En./All. (Avec la contribution d’Ariane Pollet) : Infos ici

[2] Elle travaille surtout avec les membres de sa famille, ses amis ou des amis d’amis. Mue par un besoin de contrôle intégral, elle œuvre le plus souvent seule, sans styliste, ni maquilleur ou coiffeur, parfois avec un assistant. 

[3] Elle semble rejoindre en cela la pensée de François Mauriac : « Un miracle que nous ne voyons même plus, tellement il est commun, c’est qu’aucun visage humain, autant qu’il en existe et qu’il en ait existé, n’en reproduit un autre. (…) Il n’y a pas un seul vivant qui reproduise exactement et trait pour trait l’un des milliards de visages qui nous ont précédés. Un être humain est tiré à un exemplaire unique et jamais reproduit depuis que le monde est monde. » (François Mauriac, Ce que je crois, Grasset, Paris, 1962, p. 34.)

[4] Elle travaille avec un appareil grand format (Linhof) et des films négatifs 4×5 inch.

[5] L’expression Dasein est un mot composé de l’allemand qui signifie littéralement, « être-là », au sens de « présence » ou « existence ».

[6] Bruno Bettelheim, « Introduction – Lutter pour donner un sens à la vie », Psychanalyse des contes de fées, Traduit de l’américain par Théo Cartier, Robert Laffont, Paris, 1976, p. 22.

[7] « Seul l’acte de résistance résiste à la mort, soit sous la forme d’une œuvre d’art, soit sous la forme d’une lutte des hommes. (…) Il y a une affinité fondamentale entre l’œuvre d’art et l’acte de résistance. » Gilles Deleuze, « Qu’est-ce que l’acte de création ? » Conférence donnée dans le cadre des mardis de la fondation FEMIS, le 17 mai 1987.

Julia Hountou, Brigitte Lustenberger, Still, éd. NEAR, Lausanne & Till Schaap Edition, Bern, juin 2014, 22×17 cm, 80 p. Fr/En./All. (Avec la contribution d’A. Pollet) : Infos ici

EXPOSITION AU PARC DE LA TORMA, MONTHEY (CH)

FLYER DE L’EXPOSITION :

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PRESSE

Un extrait de mon texte est aussi lisible sur Revue Point contemporain  / Exporevue / PerformArts

Télécharger le dossier de presse de l’exposition en français

Télécharger le dossier de presse de l’exposition en anglais

Site de Brigitte Lustenberger : ici

Article dans Le Nouvelliste

Photo-Theoria, mars 2020 : Issue

MAGDALENA LAMRI – AVANT MOI, LE DÉLUGE

EXPOSITION AVANT MOI, LE DÉLUGE DE MAGDALENA LAMRI DU 15 FÉVRIER AU 09 AVRIL 2020 À LA GALERIE DU THÉÂTRE DU CROCHETAN, MONTHEY (SUISSE) 
PAR JULIA HOUNTOU

A l’occasion de l’exposition Avant moi le déluge, Magdalena Lamri présente des dessins et des peintures figuratives, deux techniques qu’elle maîtrise avec une semblable virtuosité. Sa pratique artistique l’absorbe, comme dans un rêve éveillé. Face au papier ou à la toile, elle trace et entrelace patiemment des traits plus ou moins denses ou colorés. Une parcelle après l’autre, les motifs clairs-obscurs se nouent et, bientôt, naissent les trames poétiques de ses visions rêvées. Dans son atelier souvent baigné de musique, le frottement des pinceaux ou des crayons sur le support constitue la scansion d’un long poème, ponctué des pauses nécessaires au choix d’une autre mine, tantôt plus grasse, chargée de graphite, tantôt plus sèche. Indispensable à l’artiste, la gomme lui permet aussi d’effacer, de former des blancs, de parfaire, de modeler ses dessins en creux et relief, de sculpter la matière, travailler la végétation, l’écume ou la fumée qui emplissent ses œuvres. Si elle taille cet outil comme un crayon pour « ciseler » les détails minutieux, la gomme « mie de pain » lui permet quant à elle d’absorber les poudres par simple pression dans ses fusains. Magdalena Lamri façonne l’œuvre non pas dans sa forme achevée, mais souvent en mettant l’accent sur sa forme en cours d’élaboration. Le dessin non finito est peut-être la seule issue pour exprimer l’indicible, l’inconnu, la peur ou l’espoir… L’inachevé est alors appréhendé comme œuvre « ouverte », toujours à faire ; création en devenir et à venir dont la dimension processuelle et poïétique prime sur une image définitivement figée. Comme dans une ouverture au monde et aux possibles, les figures s’aventurent dans des paysages qui « s’effilochent » intentionnellement, tout en délicatesse, nous donnant ainsi l’impression de faire irruption dans l’atelier de l’artiste attelée à sa tâche minutieuse. Et lorsque le paysage se mue en page blanche, l’artiste questionne la frontière entre réalité et rêve, selon une magnifique mise en abîme de la création.

En résonance avec sa vie, les œuvres de Magdalena Lamri énoncent l’interférence de deux temporalités : l’histoire de l’artiste ainsi que son rôle de mère et de femme qui s’inscrit dans le cours de son quotidien et le temps « historique ». Ces deux flux cohabitent au sein de ses œuvres et leur insufflent la puissance poétique de ses visions.

Quel monde laisserons-nous à nos enfants ?

Inquiète pour l’avenir de la planète, Magdalena Lamri l’est également pour celui de sa fille et des générations futures. Sa prise de conscience s’est accrue parallèlement à son sens des responsabilités de mère. Conséquences du réchauffement climatique, pollution, pénurie d’eau potable, pollution plastique des océans, déclin de la biodiversité et extinctions de masse, exode… constituent autant de sujets d’inquiétude qu’elle exorcise à travers ses créations. Artiste engagée au sens noble du terme, elle vise à nous interpeller sur des thèmes marquants de l’histoire de l’humanité actuelle. À la surface de ses dessins ou de ses toiles, le graphite et l’huile se font les fidèles échos des défaites de notre société.

De la grâce des nuages aux champignons atomiques

Spectacle naturel inépuisable, constamment renouvelé, les nuages sont un objet de fascination sans fin pour Magdalena Lamri. Concentrant tous les attributs du merveilleux – l’insaisissable, la métamorphose et l’apesanteur – ils nourrissent notre imaginaire en nous délivrant de la gravité et nous reliant à l’infini. Manifestation naturelle combinant tous les contraires – masse, transparence, opacité, vapeur, inconstance, légèreté, profusion… -, ils apparaissent comme un élément métaphysique par excellence. (…)

A travers l’art du nuage, l’artiste se saisit également de la question nucléaire. Les denses panaches de fumée qui s’étirent mollement dans le ciel évoquent les champignons atomiques d’Hiroshima, Fukushima, les nuages radioactifs biélorusses… Aussi grandioses soient-ils, tous dépeignent les catastrophes technologiques et leurs irréversibles conséquences écologiques. 

Si elle porte sur le monde un regard empreint de pessimisme, Magdalena Lamri y instille une lueur d’espoir. Symbole du renouveau, gage de la continuité vers l’avenir, les enfants incarnent heureusement le devenir ; ils peuvent être source de changement (si on leur transmet des valeurs de développement durable et d’éco-citoyenneté). Aussi, dans le tableau Rien n’était trop beau pour vous – Vous n’aurez rien III  (2019, huile sur toile, 120 x 100 cm.), deux fillettes sont les juges de nos actes. La fille de l’artiste, Lou, tient un marteau, tandis que sur la balance, fleur et explosion atomique sont pesées simultanément. A l’image de la Justice, le doudou a quant à lui les yeux bandés. Ainsi, à travers ses œuvres, Magdalena Lamri nous invite à aider la jeunesse à faire son propre examen de la société. Établir les statistiques du désastre ne saurait suffire. A nos enfants, il nous appartient – nous dit l’artiste – de fournir de nouveaux outils pour accélérer la mutation, déjà amorcée, d’une civilisation à maints égards peu satisfaisante. C’est l’action d’une génération à laquelle nous permettrons d’agir qui dissipera les cauchemars de notre époque et assurera aux hommes un avenir meilleur. 

Julia Hountou
Docteure en histoire de l’art – Curatrice de l’exposition

Après avoir étudié les techniques anciennes et contemporaines de la fresque à l’ENSAAMA Olivier de Serre (Paris), Magdalena Lamri choisit, dès 2009, d’écouter les voix de la peinture et du dessin. Depuis, elle multiplie les expositions, en France mais également en Belgique, en Allemagne, en Italie et à Dubaï. Elle vit et travaille à Montreuil (France). Site internet de Magdalena Lamri

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PRESSE

Extraits de mon texte sur :

Revue Point Contemporain

Exporevue

PerformArts

“Dans les galeries avec Laurent Delaloye - Art - Le choix de la rédaction”, 24heures, 12.03.2020 : Article

CHEFS-D’OEUVRE SUISSES - FONDATION PIERRE GIANADDA

Tirage de la publication : 72 000 exemplaires

Présentation de l’exposition sur le site de la Fondation Pierre Gianadda : ici

LA COLLECTION ORDRUPGAARD - TRESORS IMPRESSIONNISTES - FONDATION PIERRE GIANADDA

Grand plaisir d'avoir écrit sur les Trésors impressionnistes - La Collection Ordrupgaard. "Riche de soixante œuvres exceptionnelles, l’exposition Trésors impressionnistes propose un magnifique « voyage » parmi les chefs-d’œuvre du fameux Musée Ordrupgaard de Copenhague, qui rassemble les plus grandes figures de la peinture française du XIXe siècle : Edgar Degas, Paul Cézanne, Claude Monet, Paul Gauguin, Henri Matisse..." Julia Hountou

Julia Hountou, Article dans le Cahier du Nouvelliste, 13 juin 2018 :

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Julia Hountou, Cahier du Nouvelliste, 06 février 2019 :

Julia Hountou, Présentation de l’exposition sur le site de la Fondation Pierre Gianadda : Infos ici

RENOIR - FONDATION PIERRE GIANADDA

Exposition Renoir, du 20 juin au 23 novembre 2014

Julia Hountou, “Edito”, p. 3

Sommaire, p. 5

Julia Hountou, "Renoir - La grâce enfantine", p. 7

Julia Hountou, "Renoir - La grâce enfantine", p. 9

Julia Hountou, "Renoir - Nus féminins", p. 10

Julia Hountou, "Renoir - Nus féminins", p. 11

Julia Hountou, "Renoir - Capturer l'âme des paysages", p. 13

Julia Hountou, "Renoir - Capturer l'âme des paysages", p. 15

Julia Hountou, "Renoir - Repères biographiques", p. 16

Julia Hountou, "Renoir - Repères biographiques", p. 17

Julia Hountou, "Renoir portraitiste", p. 19

Julia Hountou, "Renoir portraitiste", p. 21

ROBERT HOFER - INCERTAIN REGARD - INTROSPECTIVE D'UN PHOTOGRAPHE DE PROVINCE

Sous le titre Incertain regard - Introspective d'un photographe de province, cet ouvrage retrace la carrière photographique de Robert Hofer, des années 70 jusqu'à aujourd'hui, à travers trois cent soixante-et-une images sélectionnées par le photographe lui-même. Pudique, discret tant sur son travail que sur lui-même, il accepte ici de se dévoiler avec sincérité.

Au service de la photographie de presse depuis l'âge de vingt-deux ans, Robert Hofer, figure majeure du photo-journalisme valaisan, aujourd'hui âgé de cinquante-cinq ans, n'a pas son pareil pour capter le "spectacle" du Valais et jouit à ce titre d'une expérience incontestable. Son regard à la fois vif et espiègle se porte sur tout ce qui a trait à l'humain, ses contemporains, la politique, le sport, l'art… autant de champs d'observation que son objectif a visités, scrutés avec une curiosité et un enthousiasme intacts. En trois décennies d'activité, il a créé une incomparable documentation sur la vie valaisanne. Ses milliers d'images, recueillies à travers le canton mais également de par le monde, dépassent la simple valeur documentaire ; obéissant à une perspective d'ensemble, elles forment, plus encore qu'un témoignage unique, une œuvre exprimant une vision singulière.

Dans un souci de clarté et de lisibilité, l'itinéraire rétrospectif proposé dans ce livre s'organise en cinq chapitres consacrés chacun à un genre, des reportages aux variations photographiques en passant par le photo-journalisme et l'art du portrait. Cette classification thématique associe les clichés selon leurs tonalités apparentées ; elle favorise ainsi une approche synthétique des positions de Robert Hofer et offre un éclairage inédit sur la spécificité de son regard et de ses choix.

Dans le premier chapitre - Reportages, le photographe immortalise les grands événements du Valais par des récits imagés qui façonnent la mémoire collective du canton.

Dans le chapitre II - Portraits, son regard se pose sur les physionomies valaisannes dont il capte l'expérience d'un vécu, l'indice d'un parcours, les marques du caractère et de la tournure d'esprit.

Le chapitre III - Art constitue tant un hommage aux créateurs valaisans qui ont inspiré Robert Hofer, qu'une célébration de la création artistique dans son ensemble.

A travers le chapitre IV - Presse, c'est l'histoire socio-politique, économique, industrielle et sportive… des trente dernières années en Valais qui est relatée.

Enfin, dans le chapitre V - Variations, le photographe se montre observateur enjoué des détails du quotidien en focalisant sur l'animation des rues, des musées, des défilés, des stations balnéaires… La confrontation de ces problématiques permet, comme une variation sur un motif, de mettre en relief la diversité et l'originalité du traitement de chacune d'entre elles. Ces chapitres ne sont pas pour autant clos ; les frontières entre les différents thèmes ne sauraient être établies de façon formelle, rigide, en contradiction avec l'esprit même du photographe, qui prône l'ouverture, la liberté et ne refuse pas une certaine mixité des registres.

Le titre Incertain regard - Introspective d'un photographe de province choisi par Robert Hofer dit, sur un mode oscillant entre légèreté et gravité, son questionnement permanent. Comment porter un regard sur les autres ? Comment être témoin ? Comment saisir l'intensité des moments vécus ? Quelle distance adopter par rapport au sujet ? Comment rester pleinement soi-même tout en répondant à un travail de commande ? Ce sont là autant d'interrogations auxquelles il s'efforce de répondre avec honnêteté dans sa pratique quotidienne. Ce faisant, il invite le lecteur à l'accompagner dans sa quête, à s'interroger et, peut-être, à apporter ses propres réponses.

Jusqu'à aujourd'hui, Robert Hofer n'a jamais eu le loisir de se pencher sur ses photographies et de se livrer à ce travail de mémoire. Ce temps de pause privilégié lui permet de se réapproprier ses images, avec le désir de partager sa démarche réflexive et intérieure. Enfin, en se définissant comme un photographe de province, il témoigne une fois encore, non sans humour, de sa capacité à l'autodérision.

Afin d'appréhender au mieux la vocation et la carrière du photographe, l'ouvrage présente, en guise de prologue, des éléments biographiques essentiels à la compréhension des enjeux informatifs, artistiques et humains de son œuvre.

Julia Hountou, Suisse, février 2011

Extrait du texte de Julia Hountou, "Robert Hofer ou le regard attentif d'un chroniqueur assidu de la vie valaisanne", issu du catalogue Robert Hofer / Incertain regard / Introspective d'un photographe de province, Ed. du Musée de Bagnes, 2011, 223 pages, 361 photographies.

Exposition Robert Hofer / Incertain regard / Introspective d'un photographe de province, 02 juillet - 25 septembre 2011, Musée de Bagnes (Le Châble, CH), barrage de Mauvoisin (le 2e plus grand barrage voûte du monde) et sur les hauts de Verbier (CH). Sur papier, sur aluminium ou sur bâche, les photographies de Robert Hofer ont trouvé dans l’immensité et la splendeur du val de Bagnes (CH) un cadre à leur mesure.

Exposition Robert Hofer / Incertain regard / Introspective d'un photographe de province, 19 janvier - 04 mars 2012, Galerie de la Grenette - Galerie de la ville de Sion (CH).

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Robert Hofer, Le Président français François Mitterrand avec Pascal Couchepin, Martigny, 15 septembre 1989

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Robert Hofer / Incertain regard / Introspective d'un photographe de province, Ed. du Musée de Bagnes, 2011, 223 pages, 361 photographies.

Texte : Julia Hountou, "Robert Hofer ou le regard attentif d'un chroniqueur assidu de la vie valaisanne"

Robert Hofer / Incertain regard / Introspective d'un photographe de province, Ed. du Musée de Bagnes, 2011, 223 pages, 361 photographies.

Texte : Julia Hountou, "Robert Hofer ou le regard attentif d'un chroniqueur assidu de la vie valaisanne"

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